25 film più importanti che dovresti aver già visto

Divertimento

Mentre i nuovi film possono essere influenti per il mezzo, è molto più probabile che i film più vecchi prendano il comando (ma tieni d'occhio questo spazio per i film più significativi del ventunesimo secolo). Lo hanno fatto prima dopo tutto. Sebbene i film successivi possano essere visivamente più accattivanti o divertenti, esiste una chiara distinzione tra 'il migliore' e 'il più importante'.

Di conseguenza, questi non sono davvero film per famiglie, ma va benissimo perché i film non devono essere sempre seri. Questi film, tuttavia, sono per cinefili e registi. Sebbene ci siano alcune sovrapposizioni, questi film sono stati i migliori nell'influenzare gli altri; erano quelli che camminavano mentre i tuoi beniamini correvano; sono i film più significativi che siano mai stati prodotti.

Tabella dei contenuti

• 1 8½ (1963)
• 2 2001: Odissea nello spazio (1968)
• 3 Un tram chiamato desiderio (1951)
• 4 Tutto tranquillo sul fronte occidentale (1930)
• 5 Corazzata Potëmkin (1925)
• 6 Senza fiato (1960)
• 7 Il cittadino Kane (1941)
• 8 Doppia indennità (1944)
• 9 Nella terra dei cacciatori di teste (1914)
• 10 Intolleranza (1916)
• undici L'uomo con la cinepresa (1929)
• 12 Metropoli (1927)
• 13 Nosferatu (1922)
• 14 Rashmon (1950)
• quindici Roma città aperta (1945)
• 16 Biancaneve e i sette nani (1937)
• 17 Diligenza (1939)
• 18 I 400 colpi (1959)
• 19 Le avventure di Robin Hood (1938)
• venti La carrozza fantasma (1921)
• ventuno Il settimo sigillo (1957)
• 22 Il mago di Oz (1939)
• 23 Guai in paradiso (1932)
• 24 Un cane andaluso (1929)
• 25 Entro i nostri cancelli (1920)

8½ (1963)

Il famoso Viale del tramonto e I viaggi di Sullivan sono due esempi di film su film girati prima dell'812, ma è stato solo con il film sognante e pieno di angoscia di Federico Fellini che hanno davvero formato un genere a sé stante.

Allo stesso modo, mentre i registi si erano dilettati in opere fortemente autobiografiche su se stessi, Fellini ha ispirato un'intera ondata di registi a realizzare film su registi in difficoltà che cercavano di fare film, tra cui Woody Allen (nella sua fregatura 812, Stardust Memories), Truffaut (in Day for Night), e praticamente tutti gli altri registi emersi negli ultimi 30 anni narcisisti. Tutti gli artisti sarebbero attratti dalle strane scene di Fellini, dalle miscele di sesso e dolore e dalle meta-meditazioni sui film.

2001: Odissea nello spazio (1968)

Da commedie come Il dottor Stranamore a epopee storiche come Barry Lyndon e, ovviamente, fantascienza con il capolavoro senza tempo 2001: Odissea nello spazio, Stanley Kubrick ha continuamente rivoluzionato i generi. Si potrebbe obiettare che il 2001 è stato il primo importante film di fantascienza realizzati in epoca moderna. Con la sua esplorazione psichedelica, ha catturato meravigliosamente l'atmosfera sognante hippy-dippy dell'era hippy-dippy.

Questa immagine su una spedizione compromessa su Giove è piena di delicatezza e direzione davvero magistrale, ma sono gli effetti speciali rivoluzionari e la conclusione d'avanguardia che gli conferiscono un significato così cruciale.

Un tram chiamato desiderio (1951)

A Streetcar Named Desire sarebbe un ottimo film che sarebbe potuto facilmente rimanere un'opera teatrale di Tennessee Williams senza la sua complessa trama psicologica e i suoi dialoghi sbalorditivi, ma è la recitazione specificamente cinematografica che rende questo uno dei film più significativi mai realizzati. Anche se l'intero cast è quasi impeccabile (Vivien Leigh, Kim Hunted, Karl Malden, Peg Hillias), A Streetcar Named Desire ha quella che potrebbe essere la Stanley Kowalski di Marlon Brando come la performance più significativa nella storia del cinema.

Mentre Brando aveva già mostrato il suo talento al cinema in The Men, lo ha fatto qui recitando anche nell'opera di William Shakespeare, fondendo il suo background di attore teatrale e cinematografico per creare una recitazione cinematografica moderna. Il movimento New Hollywood e attori come De Niro, Pacino, Hackman e Hoffman sono stati resi possibili dalla performance di Brando, che ha introdotto Hollywood all'autenticità, alla spontaneità e alla tensione nevrotica della recitazione nella vita reale.

Tutto tranquillo sul fronte occidentale (1930)

Lewis Milestone, uno dei registi più impegnati nell'intrattenimento, era un maestro degli adattamenti cinematografici e questo è il suo meglio. Ha anche diretto Uomini e topi, L'ammutinamento del Bounty e La prima pagina, tutti classici, e questo è uno dei primi grandi film di guerra, Tutto tranquillo sul fronte occidentale, un racconto emotivamente potente e cinematograficamente avvincente di giovani uomini su il fronte di battaglia nella prima guerra mondiale.

L'epopea americana segue gli studenti mentre passano da idealisti a veterani traumatizzati e disillusi in prima linea e nelle trincee della guerra. La visione del mondo di ogni film contro la guerra, così come praticamente tutti gli aspetti tecnici di un film di guerra, sono stati influenzati da Tutto tranquillo sul fronte occidentale. Anche se è stato creato nel 1930, deve ancora essere visto.

Corazzata Potëmkin (1925)

Sebbene il montaggio non sia stato inventato da Sergei Eisenstein, lo ha padroneggiato in un modo che mostrava aspetti del film che non erano mai stati visti prima. Eisenstein ha introdotto il materialismo marxista nel cinema attraverso la dialettica del montaggio, fondendo inquadrature con controcampi per creare sequenze più ampie e potenti. Lo ha fatto con una maggiore enfasi sul montaggio e sugli angoli di ripresa rispetto ai registi precedenti.

L'ammutinamento della marina russa che scatenò la rivoluzione russa e la creazione dell'Unione Sovietica fu drammatizzato nel primo capolavoro del cinema sovietico, Battleship Potëmkin.

Senza fiato (1960)

Per quanto riguarda la Nouvelle Vague francese, molti credono che si sia divisa in due filoni principali: i film più sperimentali e politici di Jean-Luc Godard, che reinterpreta la storia di Hollywood nel particolare contesto della Francia degli anni '60, e i film più spontanei, emotivi e romantici di Francois Truffaut film. Breathless (o bout de souffle), il primo lungometraggio di Godard, divenne subito famoso prima di entrare in politica.

Il film, interpretato dagli affettuosi Jean-Paul Belmondo e Jean Seberg (il cui iconico pixie cut ha influenzato la moda per sempre), è un esame pieno di cinema, gioventù e sognatori che segue un criminale minore mentre mercanteggia e cade senza speranza innamorato di una ragazza dei giornali. Senza fiato ha rivoluzionato il cinema con più intensità nei primi 10 secondi rispetto alla maggior parte dei film interi.

Il cittadino Kane (1941)

Sì, questo è uno di cui siamo tutti consapevoli. Anche se molte persone credono giustamente che Citizen Kane sia il miglior film mai prodotto, ciò non nega la realtà che ha cambiato per sempre il linguaggio del cinema. Tuttavia, a questo punto, probabilmente siamo tutti stufi di sentir parlare di Citizen Kane.

Doppia indennità (1944)

Double Indemnity è un brillante ritratto degli impulsi mal indirizzati e dell'ossessione ossessiva di Billy Wilder e Raymond Chandler. È uno dei migliori film noir e uno dei primi autentici. Una moglie femme fatale (un'impeccabile Barbara Stanwyck) e lo scemo che si innamora di lei (un Fred MacMurray perfettamente nella media nei panni di un uomo qualunque) complottano per uccidere suo marito in modo che possano riscuotere assicurazione soldi nel film.

Dopo la seconda guerra mondiale, con Double Indemnity iniziò un'ondata di capolavori cinici e nichilisti che sfidarono la nozione di eccezionalismo americano e di assoluti morali. Mentre altri film noir degli anni '40 potevano essere superiori (Out of the Past) o più strani (D.O.A.), Double Indemnity di Wilder è arrivato per primo e ha elevato il genere con una sceneggiatura impeccabile. In questo classico divertente e caustico, Edward G. Robinson offre una delle più grandi interpretazioni di tutti i tempi come investigatore assicurativo.

Nella terra dei cacciatori di teste (1914)

In the Land of the Head Hunters è stato il primo documentario a farlo, e lo ha fatto con sorprendente successo. Dopo documentari come Nanook of the North e The Great White Silence attirerebbero comprensibilmente più attenzione. Il popolo Kwakwakawakw della British Columbia è stato il soggetto del film inquietante e inquietante di Edward Curtis, che è stato realizzato una dozzina di anni prima che il termine 'documentario' fosse mai sviluppato.

In the Land of the Head Hunters umanizza le persone in un modo molto più empatico rispetto ad altri cortometraggi e studi etnografici, nonostante sia tecnicamente sceneggiato, proprio come lo erano la maggior parte dei primi documentari. Il film racconta anche molti degli autentici rituali, abiti e opere d'arte della cultura.

Intolleranza (1916)

DW Tra il 1915 e il 1921, il regista D.W. Griffith ha avuto un successo incredibile, creando numerose opere d'arte che avrebbero cambiato in modo permanente il modo in cui venivano realizzati i film. Sebbene Birth of a Nation sia stato il suo primo grande poema epico, la sua reputazione offuscata lo limita a essere semplicemente di rilevanza accademica. Il suo film successivo, Intolerance, è ancora il migliore; sfrutta al meglio gli esperimenti cinematografici da lui avviati con la tecnologia disponibile all'interno di una storia antologizzata che è allo stesso tempo affascinante e commovente.

Ironia della sorte, lontano dall'orrore di Birth of a Nation, Intolerance è stato un esame dell'ingiustizia nel corso della storia umana, da Babilonia alla moderna California, ed è ancora oggi emotivamente potente. È forse la prima epopea ideale con i suoi dolly shot sapientemente prodotti, set enormi e legioni di comparse.

L'uomo con la cinepresa (1929)

Il capolavoro sovietico Man with a Movie Camera è un altro film sperimentale, ma ha un'estetica e una spinta completamente diverse da Un Chien Andalou, e forse ha l'invenzione più cinematografica di qualsiasi film. Dziga Vertov ha esplorato con la tecnologia e i processi coinvolti nella realizzazione di film, a differenza del film precedente, che si concentrava maggiormente su idee e immagini.

Questo incredibile meta film su un direttore della fotografia che filma diverse aree di Mosca, Kiev e Odessa incorpora e innova su tagli di partite e salti, movimento veloce e lento, angoli olandesi, schermo diviso, numerose esposizioni e animazione in stop-motion.

Metropoli (1927)

Fritz Lang ha inventato molte delle tecniche cinematografiche che avrebbero caratterizzato la fantascienza per molti anni con Metropolis. Il film tedesco, che domina i primi cliché come androidi o cyborg, futuri distopici e il proletariato in difficoltà sotto una patina scintillante, è una specie di libro di fantascienza 'Ur' per il cinema.

Negli anni '30, Metropolis ha utilizzato le miniature in un modo che ha contribuito a ispirare fantastici film fantasy e di fantascienza come King Kong e Things to Come. Il mondo futuro che Lang e il suo team hanno immaginato è meticolosamente dettagliato, con la classe inferiore che lavora duramente prima di impiegare un potente androide per rovesciare la classe superiore.

Nosferatu (1922)

Nosferatu, probabilmente il film horror muto più famoso, è stato realizzato adattando vagamente il romanzo di Bram Stoker per trasmettere la storia di un vampiro che entra in una piccola città e perseguita una giovane donna. Sebbene l'orrore abbia fatto parte del film sin dal suo inizio alla fine del XIX secolo e avesse il potere di spaventare il pubblico allora, la maggior parte degli spettatori ora trova difficile connettersi con l'orrore a causa della tecnologia arcaica.

Tuttavia, Nosferatu è ancora incredibilmente inquietante oggi e ha avuto un impatto significativo sullo sviluppo dell'atmosfera e dei salti di paura per tutto il secolo successivo. Ciò è in parte dovuto all'eccellente direzione di F.W. Murnau, che ha prodotto alcuni dei migliori film degli anni '20, ma l'eccezionale interpretazione di Max Schreck, così inquietante che alcuni credevano sinceramente che fosse un vampiro, fornisce la maggior parte degli spaventi. Ancora oggi, 100 anni dopo, Nosferatu spaventa ancora le persone.

Rashmon (1950)

Con il suo brillante film Rashomon, il leggendario Akira Kurosawa ha contribuito all'introduzione di narratori inaffidabili, soggettività postmoderna e ambiguità etica nel cinema. Anche se potrebbe non essere così bello, grandioso o appassionato come alcuni dei suoi altri film, l'esame della memoria e la decostruzione della narrazione di questo ne fanno un classico universale con un'influenza infinita.

La storia ruota attorno a tre testimoni separati che testimoniano in un processo e forniscono tre narrazioni distinte dello stesso crimine, ognuna delle quali chiarisce e integra le altre oscurando altri aspetti della realtà. Rashomon è un avvincente esperimento di narrazione che fa un bellissimo uso della pioggia e presenta una folle performance di Toshiro Mifune.

Roma città aperta (1945)

Il capolavoro di Roberto Rossellini, Roma, città aperta, è stato forse il primo capolavoro del dopoguerra, che studia il trauma e la distruzione che sono stati lasciati sulla scia della seconda guerra mondiale. Rome, Open City segue la Resistenza contro i nazisti tedeschi e i fascisti italiani a Roma intorno al 1944 mentre la parte perdente diventa più violenta e disperata, e si concentra principalmente su un prete determinato ad aiutare e salvare quante più persone possibile.

Mentre Umberto D., Paisa o Shoeshine possono essere migliori film neorealisti italiani, e questo è più stilizzato e melodrammatico della maggior parte, il suo significato deriva dalla sua ambientazione storica e dalla vicinanza al tema tragico della guerra. Rome, Open City, un documentario che è stato girato nelle strade fatiscenti e ha mostrato quanto fosse turbata l'Italia e il resto del mondo dopo la guerra, è ancora incredibilmente commovente.

Biancaneve e i sette nani (1937)

Biancaneve ei sette nani ha rotto la diga della creatività per le immagini animate, travolgendo costantemente il mercato. Tre anni dopo, Walt Disney avrebbe fatto un lavoro migliore con Fantasia. Grazie alla musica e al linguaggio affascinanti, all'animazione sbalorditiva e agli approcci narrativi davvero innovativi, il primo lungometraggio Disney continua a essere tra i migliori. In un certo senso, questo film è responsabile di tutta l'animazione.

Diligenza (1939)

Il selvaggio West è stato ritratto nei film sin da The Great Train Robbery del 1903, ma non in modo molto approfondito fino alla fine degli anni '30. Ciò è dovuto al fatto che i western muti erano spesso molto economici e di cattivo gusto e che quando uscirono i talkie, gli studi cinematografici abbandonarono il genere perché era semplicemente troppo costoso. Sebbene un certo numero di film leggendari, tra cui Jesse James, Dodge City e Destry Rides Again, siano stati rilasciati nel 1939, è stato il capolavoro di John Ford e John Wayne Stagecoach a cambiare completamente il corso degli eventi.

I metodi del regista per filmare l'azione occidentale e bilanciare la fotografia di paesaggio con riprese medie e primi piani definiranno il linguaggio visivo dei film occidentali per gli anni a venire. La performance perfettamente abbinata di Wayne e le immagini di Ford in Stagecoach diventerebbero immediatamente iconiche. La performance di Wayne in questo film sarebbe servita da modello per quasi tutti gli eroi occidentali per decenni.

I 400 colpi (1959)

Insieme a Pater panchali e Little Fugitive, The 400 Blows, uno dei primi film a dare uno sguardo vero e sincero all'infanzia, è stato uno dei primi a inaugurare la New Wave francese perennemente ispiratrice. Il film è incentrato su un giovane Alain Delon, che non riesce a smettere di recitare in classe, si sente ignorato a casa e si sente tagliato fuori dal resto dell'umanità. Nei successivi 20 anni, Truffaut realizzerà altri quattro film sull'esuberante e birichino Delon, tutti interpretati dal grande Jean-Pierre Léaud. Delon è una personalità così iconica.

Le avventure di Robin Hood (1938)

Errol Flynn e Olivia de Havilland in Le avventure di Robin Hood, 1938, Warner Bros.
Alla fine degli anni '30, una varietà di immagini visivamente mozzafiato, che vanno da Via col vento e +9 a Mystery of the Wax Museum e Doctor X, furono prodotte grazie al graduale perfezionamento del cinema a colori dopo anni di prove ed errori. C'è una tonnellata di concorrenza, ma Le avventure di Robin Hood può distinguersi dalla massa grazie alla sua vivida combinazione di colori Technicolor.

Errol Flynn, Olivia de Havilland, Basil Rathbone, Claude Rains e Alan Hale danno tutti interpretazioni accattivanti nel classico di Michael Curtiz, che è stato il primo film importante per la Warner Bros. ed è ancora divertente ed emozionante 85 anni dopo.

La carrozza fantasma (1921)

Con il film meraviglioso e davvero infestato The Phantom Carriage, Victor Sjöström ha creato un'estetica nuova di zecca con l'inganno della telecamera e un montaggio brillante. Insieme ad altri effetti speciali rivoluzionari, Sjöström e il suo direttore della fotografia Julius Jaenzon hanno contribuito a creare molto dell'horror, della fantasia e del realismo magico che conosciamo e amiamo oggi. Lo hanno fatto utilizzando la doppia esposizione nella fotocamera con molti livelli.

In The Phantom Carriage, una spettrale storia di Capodanno viene raccontata attraverso l'inverno della Svezia, con l'ultima persona che muore prima che l'orologio suoni la mezzanotte che viene maledetta per raccogliere le anime di coloro che muoiono durante il prossimo anno.

Il settimo sigillo (1957)

L'effetto di appiattimento del muto, che ha omogeneizzato la nazionalità richiedendo solo testo e immagini, ha indubbiamente contribuito alla popolarità e al successo del cinema internazionale. Tuttavia, è stato solo con il regista Ingmar Bergman e in particolare con Il settimo sigillo che il cinema internazionale e 'd'essai' è diventato diffuso, significativo e persino redditizio. L'anno in cui è uscito Settimo sigillo, gli Academy Awards hanno stabilito la categoria Miglior film in lingua straniera, e tutti i registi e gli artisti Intorno al mondo sarebbe stato influenzato dalla sua estetica incredibilmente distintiva.

La cupa esplorazione esistenziale e i drammi da camera privati ​​di Bergman servirono da contrappeso ideale all'allegro Technicolor della Hollywood degli anni '50, e molte persone scoprirono per la prima volta all'estero l'onestà e l'integrità cinematografica. Il Settimo Sigillo, che segue un soldato di ritorno dalle Crociate che gioca a scacchi con la Morte e viaggia in Svezia con un gruppo di artisti e artisti in mezzo alla peste bubbonica, ha perfezionato l'ideale d'essai ormai cliché e deriso delle cupe meditazioni sulla morte. Contrariamente alla credenza popolare, il film è in realtà molto più divertente e intrigante di quanto non lo sia spesso. Tuttavia, ciò che lo distingueva davvero dagli altri film era il suo distinto sapore e filosofia stranieri.

Il mago di Oz (1939)

Il mago di Oz è uno spettacolo visivamente spettacolare, sottilmente inquietante di altissimo livello. È un lavoro enormemente fantasioso e magico. Antropomorfizzando il suo ambiente da sogno e popolandolo di persone vivaci e durature, Il mago di Oz attinge all'inventiva della giovinezza essenzialmente costruendo un intero universo nella mente del giovane protagonista. Anche se la produzione è stata un terribile incubo, il film è semplicemente perfezione tecnica (e musicale) ed è amato sia dai bambini che dagli adulti.

Guai in paradiso (1932)

Trouble in Paradise ha spianato la strada a commedie intelligenti che valorizzavano il dialogo, il romanticismo e la trama piuttosto che le giustificazioni narrative e slapstick per le scene prima che altri classici dalla parlantina veloce come It Happened One Night e His Girl Friday arrivassero a rubare il tuono (non che ci sia qualcosa di sbagliato in questo; Our Hospitality, Sherlock Jr. o The Gold Rush potrebbero certamente essere aggiunti a questo elenco).

Questo accattivante talkie è stato diretto da Ernst Lubitsch, il primo grande maestro delle commedie romantiche, e ha beneficiato enormemente dell'uscita prima delle rigide restrizioni del Codice Hays sulla sensualità e sul comportamento 'immorale' sullo schermo. In questo divertente tesoro iniziale, due amanti criminali tentano di truffare una donna ricca che lavora in un'azienda di profumi, ma il romanticismo complica le cose. Ha lo stesso senso di vitalità delle commedie romantiche contemporanee Stupido, folle amore o Insonne a Seattle.

Un cane andaluso (1929)

Un Chien Andalou, spesso noto come An Andalusian Dog, è stato forse il primo film surrealista prodotto dal grande Luis Buuel e Salvador Dal. Non c'è davvero una storia qui; invece, ci sono una serie di scene iconiche, forse metaforiche, che giocano sia con la forma che con il soggetto mentre producono immagini indimenticabili (dalle formiche su una mano all'immagine forse più iconica del cinema, un bulbo oculare con una lama pronta a tagliarlo). Futuri film audacemente sperimentali come Meshes of the Afternoon, Dog Star Man e La Jetée sarebbero stati influenzati da Un Chien Andalou.

Entro i nostri cancelli (1920)

Per molto tempo, il grande Oscar Micheaux è stato tenuto fuori dal canone del cinema, ma negli ultimi anni alcune bellissime ristampe hanno aiutato più persone a conoscere il primo vero grande regista nero. Lavorando al di fuori del sistema dello studio, i film indipendenti di Micheaux enfatizzavano le persone di colore e della classe operaia personaggi femminili , due cose che non abbiamo visto a Hollywood.

Con l'eccezione dell'ormai perduto The Homesteader, Within Our Gates è stato il film d'esordio di Micheaux e continua ad essere una delle sue opere più importanti e rischiose. La storia ruota attorno alle lotte di Sylvia (una straziante Evelyn Preer) mentre sopporta il razzismo istituzionale attraverso una serie di incidenti catastrofici, relazioni romantiche e violenza arbitraria.